Hable Alto.
Si quieres crear diseños de alta calidad y que sean extremadamente agradables para tu audiencia, entonces necesitas conocer algunas reglas básicas relacionadas con la jerarquía visual.
La jerarquía visual es un método de organización de elementos de diseño en orden de importancia. En otras palabras, es un conjunto de principios que influyen en el orden en que percibimos lo que vemos.
Podemos describir la jerarquía visual como un método de organización de los elementos de diseño que componen una creación. La jerarquía visual tiene como objetivo organizar en niveles de importancia los elementos visuales que serán utilizados en el diseño.
La jerarquía visual forma parte de un conjunto más amplio de elementos organizacionales que pueden utilizarse para potenciar el compromiso, la legibilidad, el tiempo de permanencia en pantalla y la comprensión general de un diseño.
Los conceptos de jerarquía visual generalmente se aplican como elementos de apoyo para potenciar la eficiencia de la arquitectura de la información que fue diseñada para una pieza de diseño específica o para cualquier otro tipo de creación, ya sea digital o física.
En esta guía, te presentaremos 12 principios básicos de jerarquía visual que cualquier persona que trabaje con diseño o producción de contenido necesita saber.
¡Este va a ser un viaje lleno de información, así que vamos directo al grano!
La jerarquía visual es un principio de diseño que busca determinar y organizar cómo se organizan los elementos visuales en un diseño. Ella ayuda a los diseñadores y desarrolladores a disponer de cada elemento visual de una manera lógica.
Esta organización tiene en cuenta los aspectos relacionados con la arquitectura de la información que se han definido para el proyecto y siempre buscan crear un diseño más lógico, comprensible y que maximice la experiencia del público objetivo.
En otras palabras, podemos explicar esta relación, entre la arquitectura de la información y la jerarquía visual, de la siguiente manera: la arquitectura de la información determina la secuencia lógica de los datos que se presentan y la jerarquía visual determina qué información debe destacarse.
En un diseño, esto significa que el encabezado estará en la parte superior y recibirá una fuente más grande, con cada elemento posterior siendo dimensionado en función de la importancia que tiene dentro de la arquitectura de la información.
Esta organización de la información y los elementos visuales en la jerarquía visual, hace que el contenido sea más agradable y comprensible, y también ayuda al lector a comprender mejor cuál es la secuencia que debe seguir mientras consume ese contenido.
La razón que hace que la jerarquía visual sea un principio importante y que necesite ser entendido por cualquier creador de contenido se da por el hecho que ella es responsable por crear una experiencia donde el lector no necesite pensar sobre cuál es la próxima sección del texto que necesita leer. Este proceso debe ser automático y la jerarquía visual crea ese flujo.
¡Cuanto más grande, mejor! ¿Verdad? Bueno, aunque es un dicho muy conocido, sigue siendo bastante controvertido y puede tener sentido en algunas circunstancias y puede no tener sentido en otras. Pero una cosa es innegable, el tamaño de los elementos visuales en un diseño es una herramienta más eficiente para enfatizar la importancia de una determinada información.
Y es exactamente por eso que los titulares de los Periódicos reciben aquellas fuentes súper dimensionadas y es por lo menos razón que los carteles de promoción siempre poseen la buena y vieja OFERTA en caja alta y con un color súper llamativo.
Al utilizar elementos de gran tamaño en un diseño, y no importa si son elementos textuales o visuales, obtienen un gran protagonismo y, en consecuencia, una mayor atención por parte de quien está leyendo o consumiendo ese diseño.
Podemos usar esta imagen aquí como un gran ejemplo. ¿Se ha dado cuenta de que la palabra "Cracking" es la más destacada? Por supuesto, se dio cuenta, es imposible no darse cuenta y ese es el verdadero objetivo detrás de este diseño.
La palabra "Cracking" también es más emotiva y la palabra que tiene un mayor poder de hacer que los lectores se conecten emocionalmente con lo que están viendo. Capta y capta la atención de quien golpea el ojo en esa imagen. Aunque la palabra "Performance" también es importante,
Otro principio importante relacionado con este concepto es la escala, que es el tamaño de un objeto en relación con otro. Si usamos un solo objeto, no importa cuán grande o pequeño sea, no tendrá escala hasta que se compare con otro elemento visual.
Y es precisamente esta comparación la que nos permite crear un equilibrio en un diseño y aplicar un énfasis particular a los elementos más importantes. En otras palabras, cuanto mayor sea la escala, mayor será el énfasis dado a un determinado elemento visual.
Al aplicar correctamente las técnicas de perspectiva, los diseñadores pueden crear una ilusión de profundidad que puede variar de unos pocos centímetros a varios kilómetros. Este es uno de los momentos en que el arte realmente imita la vida, ya que nos encontramos admirando estas ilusiones de profundidad todo el tiempo en nuestras vidas.
Tendemos a percibir objetos más grandes como si estuvieran más cerca que objetos más pequeños y, por lo tanto, a menudo captan nuestra atención antes que cualquier otro objeto dentro de un diseño.
Por ejemplo, si nos detenemos a analizar la ilustración de una carretera, generalmente percibiremos el área inferior como si fuera más ancha y gradualmente se hará más estrecha cuanto más se extienda por la pantalla. De la misma forma, un objeto más cercano al espectador siempre pasará la impresión de ser mayor que el mismo objeto estando más distante.
Al utilizar la perspectiva adecuada, podemos emplear efectos de escala y proporción para comunicar con precisión la distancia apropiada. Un dibujo de un tramo de cinco millas de camino tendrá un retroceso mucho más acentuado que un tramo de media milla dibujado en la misma pantalla y con el mismo tamaño.
En la jerarquía visual, del mismo modo que damos mayor importancia a elementos visuales más grandes, en comparación con elementos más pequeños dentro del mismo diseño, también tendemos a dar más importancia a los elementos que tienen colores más fuertes y brillantes, en comparación con elementos visuales con colores más opacos.
Por ejemplo, si una sola frase en un bloque de texto se resalta con un color brillante, inmediatamente llamará más la atención de los lectores.
Spotify las encontró primero
Analicemos este diseño aquí arriba. ¿Has notado que los elementos que tienen colores naturales atraen mucha más atención cuando están resaltados con los colores Neón?
Esta combinación de colores se conoce como Duotone, una tendencia de diseño cada vez más popular. Este efecto, que superpone un par de colores contrastantes sobre una foto, da al diseño la impresión de que los colores saltan desde la pantalla hacia el espectador.
Los colores dramáticamente contrastantes también pueden enfatizar elementos específicos dentro de un espectro de colores más suaves. Por ejemplo, colocar un objeto rojo contra un fondo verde o negro llamará más atención que si el mismo objeto rojo estuviera colocado sobre un fondo naranja o púrpura.
Un diseño que utiliza muchos colores contrastantes, puede terminar dando la impresión de ser un diseño desorganizado e incoherente. Lo mismo puede decirse de los diseños que utilizan una combinación de colores que no trabaja con la teoría de colores. Pero elegir la mejor paleta implica mucho más que elegir aleatoriamente una combinación monocromática, complementaria o tetradica.
Los colores similares se pueden utilizar para agrupar elementos que se relacionan dentro de un diseño, y la elección del color puede incluso sugerir peso y distancia. Los colores más cálidos, como el rojo y el amarillo, avanzan hacia el primer plano de un diseño que utiliza un fondo oscuro, mientras que los colores fríos, como el azul o el verde, generalmente retroceden hacia el fondo.
Lo contrario ocurre con un diseño que tiene un fondo claro: los colores fríos, como el azul y el verde, parecen más cercanos que los colores cálidos. Y eso no es teoría, es ciencia, después de todo, así es como el ojo humano percibe los colores.
Tabla de profundidad de color
Por lo tanto, la elección de los colores de un diseño puede afectar la capacidad de los espectadores para identificar una figura en el fondo de un diseño. Y del mismo modo, mezclar colores cálidos y fríos puede crear profundidad, así como las técnicas de perspectiva.
Combinaciones de colores eficientes y bien elaboradas no solo dependen de la posición de cada matiz en la rueda de colores, sino también de su calor y el contraste con los colores circundantes.
¿Quieres entender un poco más? Así que asegúrate de revisar el tutorial que el equipo de diseñadores de Visme ha creado para ayudarte a elegir los esquemas de color más eficaces e impactantes.
Pensemos en el bosquejo, piensen en el índice tradicional o el curriculum vitae. Generalmente, cada uno de ellos se compone de varios tamaños de fuente, con títulos principales en un peso mayor que las subsecciones y los detalles más pequeños.
Eso es exactamente de lo que vamos a hablar. Usar fuentes de diferentes tamaños y pesos no solo enfatiza la información más importante, sino que también te ayuda a organizar el diseño general de un documento o cualquier otro tipo de arte que necesite muchos textos.
Las jerarquías tipográficas se pueden crear con texto de varios tamaños, pesos y espaciado, o con una combinación de estos elementos. Incluso si estás usando una sola fuente, variar su tamaño y peso no sólo llama la atención sobre los elementos más importantes, sino que también crea una composición general que es fácil de leer y entender.
Solo imaginar un currículum que utiliza una fuente más grande y con más peso para presentar las referencias y una fuente más pequeña para presentar el nombre del candidato. Este formato daría una impresión muy confusa y también causaría problemas en la digitalización del documento, especialmente si se trata de un CV digital.
Y es exactamente por eso que la mayoría de los programas de diseño web ofrecen una jerarquía predefinida que consiste en fuentes de título, subtítulo y título graduado, además de fuentes específicas para el cuerpo del texto.
¿Has visto este diseño aquí arriba? ¿Daría la impresión de ser más organizado y fácil de leer si todas las palabras fueran del mismo tamaño, o sería más legible si se aplicaran los principios de jerarquía visual de las fuentes?
Supongo que ni siquiera tenemos que responder esa pregunta, ¿verdad?
Uno de los principios más básicos de la jerarquía visual se refiere a los elementos visuales que dejas fuera de tu diseño.
De acuerdo con la regla de espaciado, un diseño estéticamente agradable requiere una cierta cantidad de espacio negativo libre de elementos. El espacio negativo también se llama a menudo "espacio blanco", pero esto no tiene nada que ver con el color de fondo del diseño. El espacio negativo es básicamente un espacio del diseño que no tiene ningún elemento visual.
Cuando organizamos los elementos de una composición, podemos usar los espacios negativos alrededor de los elementos visuales destacados para llamar aún más la atención sobre ese elemento específico.
Por ejemplo, pensemos en el único elemento instalado sobre el fondo blanco. Todo este espacio negativo alrededor de este elemento destaca aún más su importancia. Podemos usar como un ejemplo muy claro, el logotipo de FedEx, que es básicamente la palabra "FedEx" sobre un fondo blanco, simple, pero aun así muy llamativo.
Usar los espacios negativos de manera estratégica puede ser una gran oportunidad para atraer la atención de los espectadores y dirigir su comportamiento dentro de una página determinada e incluso dirigir una secuencia lógica de acciones. En otras palabras, podemos decir que usar correctamente los espacios negativos puede funcionar como una especie de CTA subjetivo.
Los lectores tienden a escanear las páginas de un contenido con base en patrones particulares, que pueden ser descritos por sus movimientos oculares. Cuando un diseñador quiere que el público perciba los elementos de una página o de un diseño en un orden específico, generalmente recurren a los patrones más comunes de escaneo, que pueden variar según el idioma y la cultura del lector.
La gran mayoría de los lectores del mundo occidental leen siguiendo un patrón que va de izquierda a derecha. Y es exactamente por eso que los patrones de escaneabilidad utilizados para contenidos destinados a este público objetivo buscan, casi siempre, cumplir y ajustarse a ese patrón de organización del contenido.
Por otro lado, los patrones de escaneo de los hablantes de árabe, por ejemplo, se invierten. Es decir, siguen un patrón de organización del contenido que va de derecha a izquierda.
Por eso, es importante que un diseñador conozca muy bien a su público objetivo y tenga la capacidad de comprender cuáles son los patrones de escaneabilidad que su contenido debe seguir.
El patrón de impulsión visual más común del mundo es el Estándar F. Ese patrón recibe ese nombre porque ese es básicamente el movimiento que nuestros ojos hacen al leer un contenido escrito, o sea, nuestros ojos se mueven siempre de izquierda a derecha y de arriba abajo, formando un movimiento en F.
Debido a esta tendencia natural, los diseñadores generalmente utilizan el estándar F para componer sitios web y otras ilustraciones que dependen en gran medida de la interpretación textual. Este es siempre el camino más natural para producir páginas y contenidos que impliquen una carga considerable de lectura. Otros patrones son incómodos y pueden ser confusos para los lectores.
Ya los proyectos de diseño que son más basados en imágenes y elementos visuales no textuales, suelen adoptar el Estándar de escaneo Z.
El cerebro humano tiene una mayor capacidad para procesar información visual, en comparación con la información textual, y, por lo tanto, los lectores tienden a escanear el contenido visual de forma prioritaria siguiendo un patrón que comienza en la parte superior izquierda de la página y sigue a la derecha y luego baja a la parte inferior de la página en un movimiento diagonal que nuevamente cruza la página siguiendo de izquierda a derecha, formando así un movimiento en forma de Z.
Para lograr un mejor aprovechamiento de este movimiento y una mejor percepción de ciertos elementos visuales que se encuentran en una composición, puedes destacar ciertos elementos disponiéndolos a lo largo de ese camino en formato de Z.
Podemos usar un ejemplo más práctico para representar este movimiento y esta técnica. Pensemos en un diseño que tenga un gran título, una imagen y un subtítulo. Ahora imagina cómo disponer tus elementos para que se perciban mejor durante este movimiento Z.
La proximidad, o la posición en la que los elementos están dispuestos entre sí, es uno de los elementos más básicos de la jerarquía visual. Agrupar los elementos que poseen una determinada relación entre sí, transmite a los espectadores la clara noción de que esos elementos están de hechos relacionados unos con otros.
Piense en una pantalla blanca con un grupo de cinco puntos en un lado y un solo punto en el otro lado. Nuestra primera suposición siempre será que los cinco puntos más cercanos entre sí son, de hecho, un grupo.
Agrupar ciertos elementos en una composición también puede ayudarte a transmitir otros mensajes. Por ejemplo, colocar elementos en determinados lugares en un mapa puede pasar al público una comprensión de la distancia, sea cercana o distante. Por supuesto, esto también depende del tamaño y la escala del mapa.
Agrupar o posicionar determinados elementos muy próximos entre sí también puede ayudarte a crear mensajes subliminales o indicativos de un mensaje implícito. Por ejemplo, ¿quién nunca ha visto un diseño que tenga 3 puntos y una línea posicionados de una manera que se asemeje a una cara feliz?
De esta manera, puedes transmitir un mensaje muy claro sin tener que ser tan claro. Con una composición como esta, tu imagen obtiene un destaque especial y capta más fácilmente la atención de los espectadores.
Este es uno de los momentos en que el diseñador tiene que aprovechar al máximo su creatividad y su conocimiento del público objetivo, después de todo, necesita crear algo que sea subjetivo, implícito, pero que aun así pueda ser fácilmente entendido.
De la misma forma que la agrupación de elementos visuales crea la noción de relación, utilizar el espacio negativo alrededor de elementos centrales puede ayudarte a crear un mayor foco de atención para esos elementos y eso facilita la diferenciación entre distintos grupos de elementos.
El espacio vacío y negativo no solo facilita la comprensión de la información por los lectores, sino que también puede ayudarte a crear foco, ya que los elementos rodeados por espacios negativos significativos se destacan del resto de la composición, atrayendo así el foco visual de los espectadores.
Las composiciones que no cuentan con un amplio espacio negativo pueden hacer que el diseño tenga un aspecto confuso, abarrotado y caótico. En otras palabras, cuando se trata de la cantidad de elementos visuales en un diseño, podemos decir que menos es más.
Pero, por supuesto, esto varía de un diseño a otro y siempre hay que tener en cuenta el estilo de diseño que se está aplicando y el objetivo central de ese diseño.
Los diseñadores experimentados incluso pueden utilizar el espacio negativo para sugerir un mensaje visual adicional. Basta pensar en la "flecha" implícita en el centro del famoso logotipo de FedEx, o el diseño de Coca-Cola, arriba.
La alineación de los elementos dentro de una composición gráfica forma parte de la arquitectura de información aplicada a un determinado diseño. Es la alineación de los elementos visuales lo que determina que los elementos no sean, o sean, dispuestos aleatoriamente dentro de la composición.
Por ejemplo, si pensamos en una página con alta carga textual, recordemos que los elementos textuales siempre están alineados en un margen a la izquierda de la página.
Muchos diseños visuales están centralizados o justificados, lo que significa que están espaciados en una página para que compartan los márgenes izquierdo y derecho. Si las palabras fueran esparcidas aleatoriamente por una página en todas las direcciones, crearían un escenario bastante confuso y eso convertiría el proceso de comprensión de ese contenido en un verdadero caos.
En los diseños que utilizan el patrón de escaneo F, los objetos se alinean generalmente a la izquierda, mientras que los diseños que utilizan los patrones Z generalmente emplean una combinación de alineaciones que dispone los elementos entre los ejes izquierdo, central y derecho de la página, como en ese anuncio que podemos ver aquí arriba.
La mayoría de los lectores occidentales están acostumbrados a leer de izquierda a derecha y, por lo tanto, los diseños con altas cargas de texto generalmente se alinean en el margen izquierdo de la página.
Los diseños que optan por alineaciones a la derecha a menudo se emplean para proporcionar equilibrio a un diseño general que puede ser visualmente más pesado en el lado izquierdo. Del mismo modo, alineaciones a la izquierda pueden ofrecer el mismo efecto en el escenario inverso.
La regla de los impares permite a los diseñadores enfocarse en imágenes específicas posicionando estos elementos en el centro de un grupo. Al colocar un número par de objetos al lado de un elemento, que pretende ser el elemento central del diseño, se logra llevar el foco visual a ese elemento.
Por ejemplo, elaborar una composición que presente un grupo con uno o tres elementos es más visualmente agradable que crear una composición con 2 o 4 elementos, por ejemplo.
Es decir, los grupos que consisten en un número impar de objetos son casi siempre considerados más interesantes y estéticamente más agradables que los grupos pares. ¿Por qué? La gente se siente más cómoda con el equilibrio que se genera en las composiciones de elementos impares.
Esto se debe a que al trabajar con elementos visuales impares, siempre tendrá un elemento visual de enfoque, posicionado en el centro de la composición, y un número equilibrado (par) de elementos vecinos. Ese equilibrio es más agradable, visualmente hablando.
Así como el uso del contraste puede enfatizar y llamar la atención sobre ciertos elementos dentro de tu diseño, la repetición de elementos puede ayudarte a crear una noción de unidad, lo que aumenta la comprensión y el reconocimiento del diseño.
Para entender esto, basta pensar en la mayoría de los textos publicados. Los diseños de las páginas se organizan de tal manera que el cuerpo del texto siempre se compone de una sola fuente, mientras que los encabezados de los capítulos utilizan otra fuente y las notas al pie utilizan una tercera fuente. Y todos estos elementos son consistentes a lo largo de toda la publicación. Esta repetición de estilo crea un trabajo cohesivo, reconocido como un todo.
Para crear un diseño unificado, intente repetir algún elemento, ya sea una fuente, un color, una forma o el tamaño de algún elemento durante toda su composición. Los estilos consistentes ayudan a definir claramente la jerarquía visual de cualquier diseño.
La repetición también puede dar un nuevo significado a los elementos de su composición. ¿Con qué frecuencia el texto subrayado de azul se destaca en una página? Suficiente para que las personas comprendan instantáneamente que aquel marcado es un hipervínculo, ¿verdad?
Repetir este estilo en un diseño le dice a tu audiencia dónde hacer clic para obtener más información. ¿Cuáles son los otros elementos que se pueden repetir en tu diseño para crear un sentido adicional? ¿O un mensaje adicional?
El movimiento es una de las formas más eficientes de atraer la atención de los espectadores, especialmente cuando estás trabajando con un diseño estático. Las líneas son eficientes para apuntar y dirigir la atención de los espectadores hacia elementos destacados de un diseño. Podemos entender esto claramente cuando pensamos en una flecha, pero no tienen que aparecer físicamente en la página para hacer este truco de magia.
Las líneas principales pueden ser implícitas mediante el uso de elementos que se repiten dentro de una composición. Piensa en una línea de puntos, en la proximidad de objetos o formas, o incluso en la relación del espacio positivo y negativo con respecto a los elementos visuales de una composición.
Por ejemplo, si inclinamos un objeto hacia arriba o hacia abajo, se pueden crear líneas que sugieren un vuelo o un movimiento hacia abajo. Estos elementos, muy sutiles, crean la noción de movimiento dentro de un diseño.
La utilización de los grids en el proceso de creación de una composición es un elemento que da mucho de qué hablar. Varios diseñadores no utilizan los grids, mientras que otros diseñadores afirman que es imposible crear un diseño bien equilibrado sin utilizar los grids.
Y la verdad es que este punto es muy subjetivo y varía según las preferencias de los diseñadores. Pero no hay duda de que los grids pueden ayudar, y mucho, especialmente a los diseñadores principiantes a crear composiciones más armónicas y equilibradas.
Artistas, fotógrafos y diseñadores gráficos emplean la regla de los tercios para mejorar el equilibrio general de sus composiciones. La regla implica dividir mentalmente una composición en una cuadrícula compuesta de dos líneas horizontales y dos verticales o nueve secciones separadas.
Dentro de la regla de los tercios, los elementos más importantes de la jerarquía visual se colocan a lo largo de las líneas, enfatizando los cuatro puntos donde las líneas se encuentran. Las composiciones que tienen sus elementos principales fuera de las secciones centrales, generalmente se consideran más estéticamente agradables cuando se comparan con los proyectos en los que el punto focal principal se coloca en el centro del marco. La regla incentiva el uso de espacio negativo, la aplicación de técnicas de proximidad inteligente entre los elementos y uso eficiente de los alineamientos.
No solo es más común, pero la rejilla modular es generalmente el diseño más legible. Aun así, a veces la mejor manera de hacer énfasis es romper las reglas.
La regla de los tercios no solo es la más común de todos los usos de los grids, sino que también es una de las más fáciles de aplicar y proporciona una mejor legibilidad del diseño. Pero como todo en la vida, hay momentos en que romper esta regla es la mejor manera de llamar la atención sobre un determinado elemento de la composición.
Podemos notar que en este diseño de aquí arriba, en lugar de usar el Grid clásico, los diseñadores han optado por una composición diagonal dirigida para asegurar que su creación destaque y atraiga más la atención de los espectadores. También podemos ver que el uso de la red diagonal ha creado un hermoso efecto de movimiento en el diseño.
Algunos diseñadores optan por romper la rejilla completamente, colocando aleatoriamente elementos visuales en la composición para crear un efecto más moderno y llamar más la atención de los espectadores.
Pero no pienses que los elementos aleatorios de este diseño son aleatorios, nada en un diseño de alta calidad es aleatorio.
Abandonar completamente el uso de los grids y salir soltando tus elementos visuales en la pantalla no solo significa que acabas de crear una obra maestra, sino todo lo contrario.
Cuando optamos por posicionar "aleatoriamente" los elementos visuales en una composición, tenemos que entender que es necesario considerar la posición de cada uno de los elementos y cómo se relacionan con otros elementos de la composición, así como con el espacio negativo y con diversos otros aspectos técnicos del diseño.
Es decir, incluso puede parecer que la creación de diseños "aleatorios" es más simple, pero la realidad es que estos diseños requieren una atención mucho mayor y necesitan ser minuciosamente pensados para que puedan tener un buen equilibrio visual y una buena armonía entre los elementos de la composición.
El trabajo de un diseñador es elegir sabiamente cuáles son los principios que debe adoptar durante la composición de un diseño. Cuando estas decisiones no son bien pensadas o comprendidas, el diseñador puede terminar corriendo el riesgo de crear una composición confusa, donde nada se destaca y ningún mensaje es comprendido.
Si todavía te sientes inseguro sobre la eficiencia de la jerarquía visual que estás usando en tus diseños, ¡la mejor manera de hacerlo es probar, probar y probar un poco más!
Para entender mejor cómo funcionan tus técnicas de jerarquía visual, haz la siguiente prueba: mira atentamente tu diseño, o tu página, y trata de darte cuenta si hay algún elemento que sobresalga o si todo parece un gran borrón, lleno de información enredada y confusa.
Si te das cuenta de que inmediatamente, un elemento se está destacando, entonces eso significa que estás en el camino correcto. Pero si nada se salta de la pantalla hacia tus ojos y todo parece más de lo mismo, tal vez necesites revisar tu diseño e intentar aplicar algunos de los principios que te hemos enseñado en este post.
Otro buen consejo es hacer la prueba de desenfoque. Para ello, tomar una captura de pantalla de su diseño, abrirlo en Photoshop y aplicar el filtro Desenfoque Gaussiano.
Si el elemento principal del diseño, el que resaltará el filtro, es el elemento (s) que has planeado como elemento principal, entonces es señal de que tu jerarquía visual es eficiente.
Sabemos que este post fue genial, que te presentamos mucha información y que es muy difícil memorizar todo esto, pero esta información es muy importante y necesitas tenerla en la punta de la lengua.
¡Así que vamos a hacer su vida más fácil! ¡Y fue pensando en eso que decidimos sintetizar la información de este post en una súper infografía que puedes guardar, imprimir e incluso compartir en tus redes sociales o embellecer directamente en tu sitio!
Mira esto:
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Entonces, ¿cuál de estos principios de jerarquía visual usas normalmente en tus proyectos? ¿Y cuál usarás a partir de hoy?
Bueno, no importa cuáles sean sus principios de jerarquía visual favoritos, sepa que con Visme, puede aplicarlos a todos e incluso contar con la ayuda de más de una docena de herramientas y soluciones de diseño profesionales que se han desarrollado para facilitar y agilizar su proceso creativo.
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